8pistas http://8pistas.com Magazine Musical. La música como una necesidad Tue, 13 Nov 2018 08:26:49 +0000 es-ES hourly 1 https://wordpress.org/?v=4.9.8 Silvia Pérez Cruz & Marco Mezquida en el Lope de Vega http://8pistas.com/silvia-perez-cruz-marco-mezquida-en-el-lope-de-vega/ http://8pistas.com/silvia-perez-cruz-marco-mezquida-en-el-lope-de-vega/#respond Tue, 13 Nov 2018 08:25:08 +0000 http://8pistas.com/?p=21190 La cantante catalana Silvia Pérez Cruz vuelve a Sevilla recalando nuevamente en el Teatro Lope de Vega, esta vez junto al pianista Marco Mezquida.

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La cantante catalana Silvia Pérez Cruz vuelve a Sevilla recalando nuevamente en el Teatro Lope de Vega, esta vez junto al pianista Marco Mezquida, para ofrecer música, canción y poesía. Será el próximo martes 20 de noviembre.

Cantando flojito “My Funny Valentine” desde debajo de un piano de pared hace años en Gràcia mientras tú lo tocabas (yo te lo cantaba en secreto pensando que no me escuchabas) empezó esta música nuestra que hasta hoy nadie ha escuchado, las ganas de cantarte. Hasta ahora no sabía que me habías escuchado, no sabía que sabías este secreto. Siento que me has esperado, que sabes guardar muy bien un secreto”.

Así describe Sílvia Pérez Cruz el germen de este encuentro con el pianista Marco Mezquida que hoy cristaliza. Un encuentro sin muchas más premisas que la admiración mutua y las ganas de tocar juntos. Ambos artistas lideran varios proyectos propios y transitan múltiples sendas creativas que van más allá de la música. Y los dos sentían que este era el momento de unir sus caminos musicales. La artista catalana había estado girando durante años con Vestida de Nit y, en los últimos meses, con A Grito Pelao con Rocío Molina. Canciones propias, canciones populares, canciones de otros… las canciones como excusa para viajar juntos y disfrutar el paisaje, el aquí y el ahora. Sin principio concreto ni final estudiado.

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Sábado de La Porteña Tango en Box Cartuja http://8pistas.com/sabado-de-la-portena-tango-en-box-cartuja/ http://8pistas.com/sabado-de-la-portena-tango-en-box-cartuja/#respond Tue, 13 Nov 2018 08:17:52 +0000 http://8pistas.com/?p=21182 Con dos pases, uno a las 19:00 y otro a las 22:00, celebrará la Porteña Tango este sábado 17 de noviembre su décimo aniversario en el Box Cartuja de Sevilla.

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Con dos pases, uno a las 19:00 y otro a las 22:00, celebrará la Porteña Tango este sábado 17 de noviembre su décimo aniversario en el Box Cartuja de Sevilla.

La Porteña Tango nació hace ahora diez años de la mano de dos grandes músicos argentinos: el guitarrista Alejandro Picciano y el pianista Federico Peuvrel, quienes siendo ya figuras consagradas en Argentina, decidieron comenzar en España la primera de sus muchas giras, de la que ahora se cumplen diez años. Era agosto de 2008 cuando,  en un pequeño local de Madrid nacía la Porteña Tango Trío de un modo natural y casi improvisado, debido al encuentro entre estos dos músicos argentinos paseando por Europa. El guitarrista Alejandro Picciano y el pianista Federico Peuvrel poco a poco fueron consolidando un sólido trío tanguero  que desde aquel pequeño bar nocturno, ya desaparecido, llamado “La Cueva del Bolero” se proyectó en estos últimos 10 años a los grandes teatros y auditorios de 20 países en cuatro continentes convirtiendo ese pequeño encuentro casual, en un gran show de danza y música argentina alejado de clichés, con un sonido actual y cercano que sorprende a un público con el que interactúa, siendo hoy en día la compañía de Tango Argentino con formación estable de mayor audiencia en Europa, llegando a dar más de 600 representaciones con sus diferentes espectáculos y grabando todos sus discos bajo el sello discográfico Melopea Discos con la producción de un ícono de la música argentina, el gran Litto Nebbia.

El tango se cuela en el auditorio Box para transportar el Buenos Aires más porteño hasta la orilla del Guadalquivir. Alejandro Picciano estará a la guitarra, Federico Peuvrel al piano, Matías Picciano al bandoneón y Eugenia Giordano a la voz. En la danza, los bailarines Damián Roezgas y Amira Luna.

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Crítica: ‘Bohemian Rhapsody’ “Godsavethe‘Queen’” http://8pistas.com/critica-bohemian-rhapsody-godsavethequeen/ http://8pistas.com/critica-bohemian-rhapsody-godsavethequeen/#respond Tue, 13 Nov 2018 07:36:31 +0000 http://8pistas.com/?p=21175 Una gran cinta, sin duda. Un biopic muy cuidado. Una historia a la altura de su música.Larga vida a la Reina.

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La historia de la humanidad está llena de personajes que sobresalen en sus páginas. De mártires, rebeldes, innovadores y soñadores que marcaron un antes y un después en cualquiera que fuera su campo. Científicos que desmintieron con pruebas los preceptos impuestos por la Iglesia. Exploradores que fueron más allá de lo que se consideraba un mundo plano. Revolucionaros que se alzaron pacíficamente para lograr la independencia de su nación. Y artistas cuyas obras les encumbraron a la leyenda. Sin duda, Farrokh Bulsara, más conocido como Freddie Mercury, es uno de ellos. Desde que se anunció el proyecto, los fans de La Reina no han (hemos) podido estar más entusiasmados y ansiosos esperando el estreno de la cinta biopic de tan carismático personaje. Mercury es mucho Mercury, y la cinta debía estar a la altura. Y, sin duda, lo está.

La dirección de Bryan Singer sorprende por su eficacia, dado que es un director destacado por sus películas de acción-fantástico cargada de efectos especiales, como X-Men (2000)Superman Returns (2006)Jack el caza gigantes (2013), cintas que se alejan mucho en ritmo, recursos y carga emocional de esta cinta biográfica. Sin embargo, Singer maneja elegantemente la batuta y somete la cinta a momentos emocionales a un ritmo adecuado, jugando con el espectador salpicando la historia de momentos divertidos de Freddie o a su costa.

Siempre se han considerado las cintas biográficas una quimera para muchos directores, pues es uno de los géneros, sino directamente el que más, que corta la capacidad creativa o inventiva de director y guionistas con mayor nivel de exigencia. No puedes inventar situaciones que el personaje no viviera, ni alterar su vida, ni lavar excesivamente su imagen. Y, si lo haces, pronto serás puesto en evidencia. Además, la vida real, sea de quién sea, raramente es tan emocionante como la ficción, y eso limita las posibilidades de sorprender y atrapar al público. Pero las leyendas son lo que tienen: hacen que su vida merezca ser contada.

Si algo destaca de ‘Bohemian Rhapsody’ (2018) como biopic es, entre otras cosas, el esmero que los directores de casting han realizado al a hora de elegir tanto a los interpretes de Queen como a otros personajes secundarios. Más allá de la caracterización, el parecido más que razonable a veces resulta sobrecogedoramente creíble, y ese sencillo ejercicio de casting, se convierte en una red en la que el espectador cae. Si a eso le sumamos el entrenamiento de los actores como músicos, y no solo como músicos, sino como Queen, el resultado es incuestionable.

Rami Malek es el encargado de ponerle rostro a Freddie Mercury, y lo cierto es que este joven actor, conocido especialmente por su papel protagonista en la serie Mr. Robot y no tanto por su filmografía cinematográfica, saca lo mejor que tiene para estar a la altura del papel. ¿El resultado? Freddie Mercury vuelve a la vida. No es solo forma de sumirse en la piel del personaje, respetando sus formas y su complicada y curiosa forma de actuar, sino además transmitir la misma energía que Mercury sobre el escenario. Cualquiera que haya visto videoclips o grabaciones de la banda inglesa (ejercicio obligatorio antes de ver esta cinta), podrá comprobar el gran trabajo camaleónico de Malek, así como el cuidado del vestuario para representar a la perfección todos los atuendos del cantante de Queen.

Gwilym Lee, Ben Hardy y Joseph Mazzello interpretan al resto del elenco de la banda, es decir, Brian May (guitarra), Roger Taylor (batería) y John Deacon (bajo), respectivamente. Y de nuevo merece ponerse de manifiesto el excelente ejercicio de casting y de caracterización. Aunque su papel es meramente orbital en la cinta (pues no olvidemos que es un biopic de Freddie Mercury, no de Queen), su presencia y contribución a la banda como autores de éxitos, es siempre respetada e incuestionable. Son los soportes de Queen, si bien Mercury es la bandera que ondea y a todos llama a levantarse.

Junto a ellos, Lucy Boynton como Mary Austin, quien fuera pareja de Mercury; AidanGillencomo John Reid, segundo mánager de Queen; Tom Hollander como Jim Beach; tercer mánager de Queen; Allen Leech como Paul Prenter, mánager personal de Mercury; Mike Myers como Ray Foster, ejecutivo de EMI, Aaron McCusker como Jim Hutton, pareja de Mercury, Meneka Das como Jer Bulsara, madre de Mercury; Ace Bhatti como BomiBulsara, padre de Mercury; y Priya Blackburn como KashmiraBulsara, hermana de Mercury, completan los personajes más destacados del reparto. Destaca especialmente el papel que le otorgan a Paul Prenter, siendo el villano que rompió Queen y provocó muchos males a Mercury, incluso se insinúa que si bien no se lo contagió, por su culpa este cogió en VIH.

Si hubiera que hacer una crítica negativa a la cinta, es sin duda el papel excesivamente víctima de Freddie Mercury, extremadamente inocente y bueno. Es la flor que crece entre las malas hierbas, pero que conserva su pureza e inocencia. Vemos al vocalista de Queen involucrado en ambientes nocivos cargados de drogas, pero no se le ve consumir. Se muestra como deja la banda para realizar carrera en solitario, pero no como emprende dicha carrera y publica dos álbumes (Mr.Bad Guy en 1985 y Barcelona en 1988, que por cierto, el single de este último, en colaboración con la recientemente fallecida Monserrat Caballé, fue la canción elegida para los Juegos Olímpicos de Barcelonade 1992, un año después de la muerte de Mercury). Es un truco un tanto trillado y forzado mostrar a un héroe que tiene sus fallos y sufre por ello, pero jamás se le ve cometerlos. No hay intención de que eso quede en la retina del espectador, y ese proteccionismo se convierte en falsedad histórica.

En cuanto a su vida familiar y personal, sin embargo, se muestra mucha más transparencia con su realidad. Sus orígenes familiares, su trabajo de maletero, su ruptura de los cánones tradicionales de su cultura ancestral, su relación tensa con sus padres por su estilo de vida, su soledad a pesar de su éxito. El guion avanza pulcramente entre los altibajos de la banda dentro y fuera de los escenarios, de la respuesta de la sociedad de la época, de su búsqueda continua de un estilo propio. Y de las malas compañías que se acercan como chupópteros. Y la moraleja es que puedes ser una persona de gran éxito profesional, pero si no repercute en ‘’buenas ideas, buenas palabras, buenas acciones’’, acabarás solo.

Una gran cinta, sin duda. Un biopic muy cuidado. Una historia a la altura de su música.Larga vida a la Reina.

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Entrevista Jenny & The Mexicats “Empezamos por el amor a la música” http://8pistas.com/entrevista-jenny-the-mexicats-empezamos-por-el-amor-a-la-musica/ http://8pistas.com/entrevista-jenny-the-mexicats-empezamos-por-el-amor-a-la-musica/#respond Mon, 12 Nov 2018 11:35:43 +0000 http://8pistas.com/?p=21168 Pura fiesta y diversión para celebrar los 10 años que han cumplido Jenny & The Mexicats sobre los escenarios.

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Tres albums de estudio y un recopilatorio para conmemorar un viaje que comenzó hace 10 años para Jenny & The Mexicats y para el que no han existido las fronteras, ni musicales ni físicas. Diez años de madurez que han servido para asentar las bases de un proyecto que se ha convertido en un modo de vida.

En constante trasiego por el mundo, los cuatro músicos difíciles de clasificar: Jenny, Icho, David y Pantera, crean un oasis cambiante de ritmos y melodías que se adapta a cada lugar por el que pasan, retomando para la creación piezas de la cultura popular que salpican con sus particulares experiencias personales y esencia geográfica (España, Inglaterra y México), para obtener así un mix con etiqueta propia.

Los chicos no se detienen un instante, van de escenario en escenario vistiendo de color y ritmo las salas y generando adeptos incondicionales en cada lugar que pisan.

Voz, guitarra, trompeta, contrabajo y cajón. Si las canciones suenan bien, en directo son pura dinamita. Se garantiza en cada show una noche de sorpresas donde no falta el baile. Simplemete es imposible quedarse parado ante semejante locura musical.

8pistas: Este Agosto habéis cumplido 10 años de trayectoria musical como grupo, imagino que debe ser motivo de celebración, ¿qué estáis haciendo para celebrarlo? ¿qué tiene de diferente esta gira?

Pantera: Es una gira especial en muchos aspectos. Por un lado estamos incorporando a la setlist temas del primer y del segundo disco, recuperando canciones que habíamos dejado olvidadas a lo largo del camino y que hacía mucho que no tocábamos. Me está gustando mucho esta gira, casi en cada show hacemos algo nuevo y eso es muy divertido para nosotros y creo que también para el público. Últimamente cundo vemos algún fan entregado que nos dice “¡Queremos tal canción!” o “¡No tocaron ésta canción!” y nosotros como “Está bien, ¿cuál?…Ah, del primer disco…” Y nos lanzamos a tocar canciones que hace 8 años que no tocábamos. Pero ha sido muy especial y divertido, han sido muchas fechas: Bolivia, Estados Unidos, Alemania, España, Islandia, Londres, México…

David: Hemos intentado visitar todas las ciudades en las que hemos tenido referencia que la gente quería que fuéramos. Han quedado algunos países por ir pero se nos complicaba el calendario (ríen). Para ser una banda independiente hemos viajado muchísimo este año, y estamos contentos de haber podido llegar a tantas ciudades.

¿Qué ha sido lo más arriesgado que habéis hecho en estos 10 años ?

Icho: Creo que cada vez que hemos abierto un territorio o un país nuevo, siempre ha conllevado un riesgo. Es la tercera vez que venimos a Alemania, pero en esta misma gira la semana pasada estuvimos en Bratislava, Hungría o Eslovaquia, donde nunca antes habíamos estado. Es un riesgo tocar y que tal vez no venga nadie a verte. Por suerte nunca nos ha pasado, hay mexicanos por todo el mundo!.(bromean)

El show de Budapest fue muy interesante. Cuanto más nos alejamos de un país latino, mayores diferencias culturales existen, y sin embargo nos encontramos con que la mayor parte del público era local. Un húngaro vino con toda su familia y nos dijo “¡Soy vuestro fan número uno! Cuando vi que venían a Budapest no me lo podía creer!”. O por ejemplo, la experiencia que tuvimos ayer en Regensburg, cuando vino a vernos un alemán que tenía unos 60 años y no hablaba español ni inglés, con la cruz tachada dibujada en el ojo, que aparece en nuestro último vídeo y es la insignia de la banda. Darte cuenta del alcance que tiene la música es muy bonito y a la vez es un riesgo.

En vuestra lista de cosas por hacer, ¿qué cosas os quedan pendiente? ¿Qué será lo próximo?.

Todos: ¡Muchas cosas! ¡Como descansar más!

Pantera: Nos quedan pendientes algunos países que nos gustaría visitar, como Asia o Australia… También hay países de Latinoamérica dónde no hemos estado aún, cómo Perú…o Argentina y Chile, que están en nuestro top en Spotify y Youtube. Son los países más fuerte y nunca los hemos pisado.

También nos gustaría hacer un disco conceptual .

Jenny: Grabar el nuevo disco. Tenemos nueva música por trabajar. La idea es acabar el tour, descansar y ponernos con lo nuevo.

Entonces, el proyecto más próximo ¿sería la salida del nuevo álbum?

Icho: Ahá. Entramos al estudio en marzo y esperamos que vea la luz en septiembre u octubre.Después estaremos en Europa promocionando.

¿Hay algún sueño por cumplir a nivel musical?

Icho: Hacer un veniu en el WiZink sería increíble. En una ciudad como Madrid, donde empezamos y que nos ha visto crecer, cada vez que vamos es muy interesante ver como la gente nos recuerda aún después de 10 años. Hace muy poco hemos cumplido otro de nuestros sueños, tocar en el Tiny Desk.

Pantera: ¡Tocar en una orquesta!

Ucho: ¡Sí, yo también!

David: Hacer un concierto sinfónico con una gran orquesta sería increíble.

Jenny: ¡Pero no se puede hacer todo lo que se quiere, solo hay 365 días al año!

David: Trabajando poco a poco hemos ido consiguiendo los objetivos que nos hemos planteado a corto plazo. Hay que ir ía a día, y las cosas van llegando solas.

Si hiciéramos una retrospectiva en el tiempo, cuando todavía erais Los Pachucos y la Princesa…¿Qué queda del primero en Jenny & The Mexicats? ¿Hay algo que echéis de menos de ese periodo?

Jenny: ¡Es básicamente lo mismo! El mismo formato, solo que con más años de experiencia. Tenemos más músicos invitados, dos de ellos van siempre con nosotros: un percusionista y un guitarrista slash y pianista. En España por ejemplo gira con nosotros un trombonista, pero la esencia es la misma, solo que más girados, más experimentados y trabajados.

Todos: ¡Sólo echamos de menos la edad! ¡Tener 20 años!.

¿Cómo fueron los inicios? Y no me refiero a cómo os conocisteis, que todos sabemos que fue una noche de tablado flamenco en Madrid, sino a cómo fueron los primeros años en la band. ¿Qué recordáis cada uno de ese tiempo?

David: Todo comenzó como un hobby. Empezamos por el amor a la música. Cuando iniciamos el proyecto ni siquiera lo pensamos como algo a largo plazo, solo queríamos disfrutar de tocar y de viajar y poco a poco se fue haciendo más serio y se convirtió en trabajo. Nos gustaba y acabó siendo nuestro modo de vida después de muchos años de lucha. Los primeros cuatro años no podíamos vivir sólo de la música, necesitábamos de otros trabajos.

Jenny: ¡Yo era profesora de inglés! pero solo el primer año. En México ya llevamos una buena racha viviendo de esto.

Sois tres los compositores principales de vuestros temas, y además funcionáis como una empresa independiente con autogestión ¿Cómo es la distribución de los roles? ¿Quién hace qué y por qué?

David: ¡Todos somos compositores en realidad! A todos nos gusta participar del proceso de composición. Cada uno aporta cosas propias y luego entre todos le damos forma. Hay gente a quién se le da mejor, como en el caso de Jenny con la música en inglés. Ella era la primera compositora de la banda.

Icho: Pero precisamente porque son 10 años hemos aprendido todos cómo funciona. Cada uno tiene una personalidad y una forma de hacer las cosas, pero nos rodeamos de profesionales. Contratamos en cada país agencias amigas que nos echan una mano. En Alemania, sin la agencia, no hubiéramos sabido dónde se toca ni cómo es el país. Por ejemplo, este es un país en el que todavía se venden discos, en España y en México no. Tienes que ir aprendiendo y entendiendo que cada país es y funciona de forma diferente y es muy importante tener una empresa amiga para que te enseñe el camino.

He leído en algún sitio que “Los discos son la excusa para hacer conciertos”, ¿Cuál creéis que es la clave del futuro de vuestra música?

David: Creemos que el directo es el futuro y el presente. Vender discos ayuda, pero no es el ingreso más fuerte que tiene una banda. Nos encanta tocar, para nosotros siempre ha sido así, fuimos una banda que se lanzó a la carretera muy rápido. Nada más empezar en España ganamos un concurso en el que nos daban una ayuda económica para ir de gira. ¡Batimos el récord!El mínimo eran cuatro conciertos ¡y nosotros hicimos 32!

Icho: La gente se limita a hacer 4 y se reparte el dinero. Nosotros le sacamos todo el jugo…pagamos hoteles, gasolina y furgo. Era una lista de 100 salas, escribimos a todas y fuimos a todas las que nos respondieron. Después el Instituto Cervantes, como extensión de este proyecto, nos financió una gira en Praga, como reconocimiento a nuestro esfuerzo.

La música no es solo tocar y para crecer en un proyecto hay que ponerle muchas ganas.

¿Qué género musical os queda por experimentar y le tenéis ganas?

David: Muchos…pero que nos gusten es otra historia. Ya hemos hecho reggae, balcánica, merengue…Que nos quede por hacer quizás alguna salsa, algún ritmo hindú…¡o una ranchera, eso nos gustaría! .

Icho: ¡El año pasado hicimos la primera cumbia en inglés! Nos gusta mucho variar. Reggaetón no lo hemos hecho, y creo que no lo vamos a hacer. Pero…¡tenemos rap para el próximo!

Vuestros temas han aparecido en las bandas sonoras de películas como “Bienvenido a la vida peligrosa!”, “Labios” fue el tema principal de la película mexicana “Amor de Mis Amores” dirigida por Manolo Caro, “No Dejes De Quererme” una cover de la Sonora Santanera, fue incluida en la película “Besos de Azúcar” dirigida por Carlos Cuaron, “Sin Tus Estrellas”, es el tema principal de la película mexicana “Busco Novio Para Mi Mujer”, dirigida por Enrique Begne…Tengo curiosidad, ¿cómo fue la experiencia de hacer música para el cine?

Icho: Bueno, también hemos puesto música a series de Netflix, un anuncio de Coca Cola, otro de Iberia…A todos nos gusta mucho el cine.

David: Icho estudió cine. Lo de las películas lo hemos hecho muchas veces y nos gusta mucho. A veces hemos compuesto el tema específicamente para la película y otras han elegido temas nuestros. Es muy bonito ver como tu música se funde con la película.

Icho: De hecho, una de ellas es una versión de una canción muy antigua mexicana, para el film “Besos de azúcar”…y el compositor, que tiene 90 años, Ramón Inclán…nos dijo que era la versión más bonita que le habían hecho nunca. Su esposa era americana y le gustó la versión en inglés-español “Nunca dejes de quererme’” un bolero muy bonito, aunque nosotros lo destruimos a nuestra manera.

Os conocéis en 2008, en 2012 sale el primer álbum Jenny & The Mexicats, en 2014 se estrena OME (que significa DOS en lengua náhuatl) y en 2016 llega Mar abierto…¿Cómo se vive la salida de un nuevo álbum?

David: Con estrés en nuestro caso, como somos una oficina independiente se nos echa a veces el tiempo encima. Queremos salir en cierta fecha y se complica por la agenda de conciertos. Pero la parte de estudio es de las que más nos gusta, sobre todo a Jenny.

¿Qué cambios ha traído Mar abierto, vuestro último álbum de estudio, al grupo a nivel personal y profesional?

Pantera: Siempre nos gustó la idea de hacer una especie de disco temático, una especie de culto a las canciones. Queríamos que todos los temas tuvieran su peso, que fueran un todo, y estuvieran enlazados entre sí de alguna manera. En concreto “Mar abierto” está unido por el agua, el mar. Fue una casualidad que todos independientemente estuviéramos escribiendo sobre el mismo tema. Pero para el próximo sí vamos a partir de un concepto, en esta ocasión estético más bien, porque las canciones al final salen como salen.

¿Cuál es vuestra próxima gira o proyecto musical más cercano?

Icho: De aquí vamos a Zurich, luego a NY, Los Ángeles y México, hasta Diciembre. Luego paramos dos meses y volvemos al estudio a grabar.

Justo unos meses de relax en casa, para generar ideas para el disco y tener bastante material donde elegir.

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The Prussians, un concierto hipnótico http://8pistas.com/the-prussians-un-concierto-hipnotico/ http://8pistas.com/the-prussians-un-concierto-hipnotico/#respond Fri, 09 Nov 2018 12:00:38 +0000 http://8pistas.com/?p=21142 Es una noche de miedo, The Prussians, banda mallorquina, arrancó pasiones rockeras con un sonido indie erigido en la más hipnótica y notable elegancia musical.

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El concierto en la Sala La Calle comienza más tarde de lo esperado, aspecto que al público entusiasmado no le importó en absoluto.

En la preparación previa tenemos ocasión de saludar a sus componentes y charlar un rato con Dominic Massó, uno de los fundadores y cantante del grupo y con Pau Eric, bajista. Inmediatamente se acercan a saludarnos el resto de los componentes: Tino Lucena, batería; Ferchu Vallejo, teclados y Juanda del Agua, guitarra. Nos atienden con serenidad y mucha educación para contarnos algo de su formación y trayectoria. Es sorprendente la altura y la presencia de los dos primeros componentes, parecen modelos de alta costura a pesar de su aspecto desenfadado. Sus estilizadas figuras se comen el escenario y como comprobaremos posteriormente, esta banda, con su buen hacer, trascenderá de él.

Una pregunta recurrente es de dónde viene el nombre del grupo, The Prussians, lo eligieron por su sonoridad durante el periodo del instituto.

Les preguntamos por sus referencias musicales y su evolución. Nos cuentan que sus trabajos anteriores, entre los que se encuentra su album debut, Mul Mul (2014), se enclavan dentro del indie-rock, pero con temas más bailables que este último, Karma (2018), cantado en inglés, y que es más reivindicativo y más íntimo. Estos aspectos que nos destacan antes del comienzo del concierto lo comprobamos al final cuando vemos  la portada negra de dibujos étnicos de su nuevo disco, Karma (2018), grabado con el sello Sony Music Spain. Su gira ha comenzado en Suecia, continuando por Madrid, Valencia, Barcelona, Palma de Mallorca y así hasta llegar a Sevilla y el próximo día a Córdoba. Están imparables y sabemos que llegarán muy lejos.

Este disco, que trata temas cotidianos e históricos, con por su título abre el debate. En esta línea, Dominic interpeló al público durante el concierto: “¿Creéis en el Karma?” …Mientras sonaban las guitarras en una especie de infinito sonoro de envolvente misterio y el público respondía en alternancia y variedad.

Nos comentan que el cambio musical ahora se acerca más a sonidos del hip-hop, y tienen referencias musicales como Balthazar, The XX, o The Glass Animals

Todos los componentes están preparados para el arranque, las luces comienza a flashear al público que llena la sala.

Soul” abre el concierto y el disco. Inteligente y catártica melodía musical, la primera concebida originalmente con piano y voz, habla sobre la soledad necesaria. La voz afinada, seca, desafiante y la vocalización del Dominic Massó, como de salmodia, nos recuerda a la de Jim Morrinson en su vertiente más ritual y dramática. Es un tema sobrecogedor y preludio de  este magnífico concierto que continua con “Dangerous Road”, tercer tema del disco, con repetitivos ritmos y sonidos de intimismo casi místico.

Las siluetas del público se agolpan frente al escenario dibujando un horizonte oscuro tras el que se ve al grupo disfrutando, escuchamos “Man&Woman”, “Cold Trees”, “The place”, “ Drop the games”. No puedo hacer anotaciones en el móvil, estoy absorta en la música y en los músicos. La cámara me permite captar algo de lo que veo y siento. La música baila dentro e inmoviliza por momento a los asistentes, miro cerca y la gente no contacta entre ella, parecen abducidos. Presentan “Worlds End” y en la intro el vocalista habla del compromiso con  el planeta y hace referencia a la catástrofe fluvial de Mallorca, el público aplaude.

En algunos momentos la música tiene algunas reminiscencias a U2, Radiohead, The Doors, y en la búsqueda de sonidos a El imperio del perro o el primer disco de Pony Bravo.  Pero hemos de decir que The Prussians es sublime porque es experimental y atrevida en los sonidos, que han dejado de ser controlados por metrónomos y melodías base , convirtiendo este nuevo trabajo Karma en algo realmente soberbio.

Aunando su conexión  personal y espiritual, basada en el equilibrio de todos los que conforman la banda y una comunión con los sonidos del movimiento del universo, este grupo consigue una fuerza y autenticidad diferente y conecta inmediatamente con el público,

El calor hace que el vocalista en un movimiento lento y seductor se quite la camiseta. No hay nada de provocativo, deshonesto o vulgar en su gesto. Deja ver su torso joven y bien formado, casi de un dios griego que va a entregarse a un ritual holístico. Y así es, suena

The Hills” un tema joven y elegante que se inicia con un punteo de guitarra rítmico y pegadizo, simulando sonidos tribales. La guitarra se pega a su cuerpo y su brazo fuerte y tatuado la puntea dirigiéndose al bajo, a la guitarra, al teclado y a la batería. Conexión total. Este grupo tiene una carga energética y musical especial, y el público lo siente. Se percibe en el ambiente.

Escuchamos la letra de “Two stones”: “…we are wrong again, we are messing up our world. It is in our hands, to make things work again. Why don´t we make big cities breathe again…” ; y descubrimos el compromiso de sus letras que nos llevan a la reflexión. Buscan letras pegadizas y mensajes en inglés de fácil comprensión, como si pretendieran dejar huella en el espíritu y en la conciencia. Y creo que es lo que hacen, también con “Big world”. Es un mensaje directo, conciso y que conecta con el primitivismo mediante su música de experimentación electrónica, melodías vocales arriesgadas y sujeta a una pequeña improvisación.

Alone”, envuelta en un lluvioso y silencioso paisaje de guitarras, nada triste, arranca los movimientos espasmódicos del público, que en momentos puntuales se detiene y levanta las manos. Parecen querer más.

Suena “Karma”, el tema que da título al nuevo disco, Karma  y de forma inevitable nos lleva a pensar en la presentación de su videoclip. Un trabajo atrevido y misterioso, de una edición impecable. Montado sobre fondos negros, superposiciones de rostros, cambios de iluminación y un juego de máscaras fluorescentes; este se construye armónicamente con un ritmo frenético y adictivo de chasquidos musicales variados. Dirigido por Sofía Martel y Lluis Prieto, con una limpia fotografía, lo convierten en una pieza de belleza sobrecogedora e inusitada.

Cuidan lo que hacen y por ello ya han compartido escenario con Kaiser Chiefs y Franz Ferdinand entre otros. Y sabemos que Tino y Dominic, que son los primeros que formaron la banda, comenzaron grabando en Sevilla con el sello independiente  Green Ufos, que ha abalado a grandes músicos desde sus comienzos y ha apostado por la música independiente.

Finalizan, cuando el público está eufórico, con “A stone”. Quizás la piedra sea el enigmático elemento en el que queda marcada la huella, el elemento que contiene el misterio de los tiempos, el peso de la vida y esté cargada de significados, esos sobre los que nuestros ancestros supieron edificar una civilización.

La música indie de The Prussians es diferente, inteligente y de auténtico directo. Habla mediante todo aquello que la ha hecho posible, de algo que es grande en si mismo: el pensamiento, la creación y la innovación para perseguir un sueño, remover y crear conciencia sobre el comportamiento del ser humano, del mundo.

Quizás esa fuerza musical y dinámica que mueve a esta joven banda sea su propio Karma, el de beber de las grandes fuentes e influir en las otras existencias musicales.

Así lo esperamos.

Un gran concierto en directo y una calidad humana que pocas veces respiramos en el escenario.

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Hablamos con Full: “Se van a quedar muchas canciones fuera de las que el público quiere escuchar” http://8pistas.com/hablamos-con-full-se-van-a-quedar-muchas-canciones-fuera-de-las-que-el-publico-quiere-escuchar/ http://8pistas.com/hablamos-con-full-se-van-a-quedar-muchas-canciones-fuera-de-las-que-el-publico-quiere-escuchar/#respond Wed, 07 Nov 2018 12:32:24 +0000 http://8pistas.com/?p=21161 Entrevistamos a Javi Valencia, vocalista de Full, sobre su nuevo disco “Capadocia”.

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A fecha de 2018, pocas personas dentro del circuito independiente quedan que no hayan oído hablar de Full. Esa banda sevillana que nace hace menos de 10 años pero que se ha colocado en un lugar fundamental dentro del mundo indie y ocupa un lugar predilecto en sus festivales.

Después de haber grabado dos discos de estudio que la gente ha acogido de buen agrado, Mi Primer Atraco (Warner, 2013) y Tercera Guerra Mundial (Warner, 2016), después de haber llenado salas en todos los rincones del país y de haber encabezado carteles como el del Granada Sound, después de haber hecho un espléndido sold out en la Joy Eslava, llega el tercer disco, Capadocia (Warner, 2018). Ese que tiene como fin consolidar una banda que ya cuenta con himnos en su setlist y que, sobre todo, tiene que superar el listón que ellos mismos habían puesto con su anterior gira.

Así que ante este nuevo disco, mágico y que a veces suena como un grito de guerra, nos lanzamos a entrevistar a Javi Valencia, vocalista de la banda y uno de los protagonistas de este viaje por los rincones más recónditos de ellos mismos y de cada uno de los oyentes.

 

8pistas: Enhorabuena en primer lugar por el disco que habéis sacado.

Javi Valencia: Muchas gracias (risas)

¿Cómo estáis llevando estas semanas de promo?

Sin parar, hay un montón de medios, blogs, comentarios del público por todos lados y la presentación muy bien. La primera toma de contacto, aunque sea en acústico, la gente le da ya una importancia aunque sea en este formato.

¿Creéis que el disco ha tenido una buena acogida?

El público está muy contento. Había muchas expectativas y creemos que las hemos satisfecho.

La gente os reclama en los festivales, la gente vive vuestros conciertos.

Los setlist han ofrecido una cara de la banda que ha gustado. La verdad es que la crítica que hemos tenido de los conciertos ha sido muy buena y al final hemos terminado llenando la Joy Eslava, que es el indicativo de que hemos crecido.

¿Ha sido en la Joy Eslava cuando os habéis dado cuenta de que el grupo ha crecido o habías sido conscientes de esto antes?

Durante todo el proceso te das cuenta de que vas llenando más, vas viendo que algo va pasando. Vas triplicando el número de personas en lugares en los que has ido a tocar. Pero en la Joy Eslava era otra cosa, es la sala más grande donde hemos tocado solos y hemos hecho un sold out.

¿Cómo explicaríais qué es Capadocia a quien no sabe qué es exactamente? ¿Por qué le habéis dado ese nombre al disco?

Capadocia siempre nos ha gustado porque guarda muchas ciudades subterráneas, mágicas y misteriosas. Guarda como pequeñas ciudades internas, como las pequeñas historias y capas mías, y con esa analogía finalmente se terminó utilizando el nombre de Capadocia.

El disco abre con “Derinkuyu”, que es la ciudad subterránea más interna de Capadocia, ¿nos dice esto que nos vamos a encontrar con un disco más personal e introspectivo? 

Es un indicativo de que, desde luego, no es solo Capadocia. Que hay una relación entre el desierto de Capadocia, las ciudades subterráneas, una unión mágica. Es la banda sonora del fotograma de la portada, de este viaje.

¿Hay mucho simbolismo escondido en la portada? ¿Qué nos cuenta?

Representa el concepto del disco. Un viaje por las profundidades, atravesar las ciudades subterráneas en globo, que es lo típico que se hace en el desierto de Capadocia. Hay espantapájaros, zombis, el globo está hecho con la alfombra roja… está todo pensado para que al final todo tenga su sentido, que funcione como un engranaje.

¿Hacia dónde los lleva el viaje? ¿En qué culmina?

Culmina donde cada uno quiera, hacia donde cada uno le haya llevado. Cada uno tiene su historia, tiene sus historias subterráneas y después de saborear el disco, con ese final de rabia, después de haber tocado tantos sitios del interior, al final la pregunta es con qué sabor de boca es con el que te vas.

¿Cuál creéis que es la canción que más va a reclamar el público en directo?

Pues no lo sé, porque estamos teniendo muchísimas opiniones y todas son dispares. Y todas son “es que me encanta esta canción”. “X” se dice mucho, también “Será mejor”. Está claro que los adelantos los tiene la gente muy trabajados, pero no sabemos muy bien hacia dónde puede ir la cosa.

Eso es genial, quiere decir que no es un disco de un solo tema, ¿cierto?

Es lo que hemos procurado, que no sea un disco de ahí llevas una canción y que el resto sea relleno. Que sea un disco de verdad y que cada persona se quede con su favorita.

¿Cuál es la canción más profunda del disco?

“X”.

¿Así de rotundo?

Cada uno tiene su interpretación, pero sí que me parece que en realidad, como yo percibo esa canción, es una canción de amor no al uso, de verdad, al margen de parejas, prototipos y estándares. Decirle a una persona que ahí estarás para comerte todos sus miedos, acompañarla en el viaje y enfrentarse a sus monstruos.

¿Y a qué ciudad querríais ir?

Uff…Capadocia, mismo (risas)

¿Y a tocar que no hayáis ido nunca?

Nos da un poco igual el sitio, al fin y al cabo tampoco te das cuenta dónde estás. El sitio lo hace especial la gente, de la ciudad no tienes tiempo de disfrutar. Pero, por decir un sitio, me gustaría tocar en el Teatro Romano de Mérida.

¿Y si pudieras pedir un deseo para la banda?

Que mejoremos todos. Que sigamos mejorando, aprendiendo.

Presentaréis en febrero el disco en el Ochoymedio en Madrid. ¿Qué se puede esperar la gente de esta nueva gira?

Pues que se van a quedar muchas canciones fuera de las que el público quiere escuchar. Ya tenemos un problema con el setlist…. Va a ser un himno detrás de otro.

A alguien que nunca os haya escuchado, ¿qué le dirías para que lo hiciese?

En realidad, me da igual. Si quieres una respuesta sincera para esta pregunta, es esa. Te puedo dar otra respuesta para que la pongas, pero la sincera es que me da igual. Musicalmente, haz lo que sientas. Atiende a tu propia curiosidad y conocimiento.

De aquí a que lo presentéis queda tiempo aún, ¿por qué tanta espera?

Hay que preparar las canciones bien, no hemos parado. La gente nos pregunta cuándo y cómo hemos grabado, si no hemos parado. Necesitamos un momento para preparar el directo, que ya son tres discos los que tenemos y hay que prepararlo bien todo. Así que con el año nuevo y la entrada de nuevos planes, entrada de la gira.

Pues todo pinta muy bien para esta gira y ya solo me queda desearos muchísima suerte y muchísimo éxito.

A ver qué nos depara Capadocia.

Seguro que todo bueno.

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Andrés Calamaro: nueva cosecha de canciones y un solo paracaídas http://8pistas.com/andres-calamaro-nueva-cosecha-de-canciones-y-un-solo-paracaidas/ http://8pistas.com/andres-calamaro-nueva-cosecha-de-canciones-y-un-solo-paracaidas/#respond Wed, 07 Nov 2018 11:37:31 +0000 http://8pistas.com/?p=21153 Hablamos con Andrés Calamaro a razón de la publicación de su último disco, "Cargar la Suerte".

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Había que tener suerte, ser ágil y andar avispado para salir de un concierto sin recibir palos de la policía. Cada día había desapariciones, hombres y mujeres a los que no se les volvía a ver jamás. La dictadura militar de Videla. Argentina había ganado hace apenas un mes, en el Monumental de Buenos Aires, su primera copa mundial de fútbol, de la que además había sido anfitrión. Millones de personas pusieron sus ojos en la pelota aquel verano de 1978. Los ojos de la generación que creció entre la paranoia y el dolor, como canta Andrés Calamaro en Crímenes Perfectos. En esa Argentina de 1978, Calamaro estaba cumpliendo sus diecisiete años encerrado por primera vez en un estudio de grabación. Beto Satragni había reclutado, por recomendación de Sergio Makaroff, al joven Andrés para ser teclista de Raíces, banda de candombe y fusión rockera uruguayo-argentina.

Cuarenta años de canciones y grabaciones pasaron desde entonces. De paracaídas y vueltas. De las cincuenta maneras de grabar un disco, Calamaro tuvo tiempo de sumergirse en muchas de ellas. Incluso de hacerlo a contracorriente o pasar cinco años ajeno al mundo y a sí mismo. Cuarenta años dieron para mucho. Calamaro se convirtió en el gran tótem del rock hispano, la gran referencia. Tanto que es imposible comparar su repertorio con el de nadie más. Sus discos solo se pueden medir con sus propios discos. Cualquiera de sus enormes discos “menores” habría servido para elevarle a lo más alto de la jerarquía del rock sin la necesidad de sus trabajos más celebrados. Porque sólo son “menores” porque el argentino vivió una década artística de repertorio insuperable: los años de Los Rodríguez y la trilogía Alta Suciedad, Honestidad Brutal, El Salmón. Grabaciones que pusieron su nombre y sus canciones a los ojos de la eternidad.

De esas cincuenta maneras de grabar un disco, esta vez eligió una que recuerda a la de Alta Suciedad para su nuevo disco, Cargar la Suerte. Para renovar sus credenciales de lujo de cantante, autor de canciones y músico de rock. La crema de músicos californiana reunidos en un Burbank (Los Ángeles) por el productor Gustavo Borner para lograr una de las mejores grabaciones del argentino. Y él lo sabe: ¿Es mucho decir mi mejor disco en cuarenta años? Porque está ese Alta Suciedad en el medio, ¿no? Pero, en muchos sentidos, esta es mi mejor grabación en cuarenta años.

 

8pistas: ¿Sigue escribiendo canciones con el mismo espíritu del capitán Ahab persiguiendo a Moby Dick?

Andrés Calamaro: Esa ballena ya no es blanca. Como capitán, escucho las ideas de mis contramaestres y confío en mis arpones. Pero no siento la necesidad imperiosa de terminar en el fondo del mar… Ahora mismo no tengo “sistema”, entonces escribo versos y coplas.

Tras cuarenta años de grabaciones. ¿Tiemblan las piernas los días anteriores a la publicación de un nuevo disco?

Hace cuarenta años me temblaban las piernas en el estudio de grabaciones. Ahora espero incrédulo la liberación de un disco, aunque no termino de entender en qué consiste el éxito de un álbum hoy en día… No me tiemblan las piernas pero se ha puesto a llover copiosamente.

Cargar la suerte es entrar al toro, ponerle el cuerpo, torear bien de cerca. En nuestras vidas podría interpretarse como un acto de valentía, asumir riesgos sin medir consecuencias, una forma de hacer las cosas que se está perdiendo. ¿Es el título una declaración de intenciones de su forma de vida y su relación con las canciones?

Prefiero abarcar menos y apretar más. Pero hay algo de cierto en eso; grabamos el disco respetando la vieja escuela litúrgica de grabar disco, pensamos en un repertorio de doce canciones para dos caras de un álbum. Todos asumimos riesgos sin asumir las consecuencias, no se necesita del valiente para eso… ni temerario. En mi declaración contemplo mi forma de pensar y escuchar los discos… El disco objeto, que escuchamos con reverencia. Que existe. Me define la música que escucho.

 El single de Cargar la Suerte, esa cosa complicada de definir más allá de cómo el adelanto de un disco nuevo, ha sido Verdades Afiladas, un rock de toque californiano y de corte calamariano con métrica y aire de ranchera. ¿Existen otro tipo de verdades que no sean afiladas?

No me gusta el sistema del “single”, la canción que se despega del disco para anticipar reacciones. Preferiría liberar el disco todo junto, anunciarlo una semana antes… o un día antes. Y salir con toda la carne en la parrilla. En cuanto a las verdades, casi todas son afiladas y algunas hacen más daño que otras; la verdad (entre comillas) es apenas una palabra, hablamos de “la verdad” como si existiera una sola y ese es el punto: distinguir si existe una única y verdadera verdad quizás no sea demasiado importante. No sé mentir, es una verdad que entiendo. Tampoco la única.

 En varias canciones (Tránsito Lento, Cuarteles de Invierno, Egoístas…) sobrevuelan ciertos rasgos característicos de la vida del cantante: una vida ambulante de traslados constantes, fragilidad, esperas interminables… la soledad y la deriva. ¿Está, en cierto modo, el artista de canciones condenado a la soledad por su vida nómada e intensa (condiciones inherentes en su profesión)?

Es posible. He vivido relaciones largas y formidables, que añoro un poco. Pero ahora no tengo ni un perro que me ladre y me resulta interesante… La soledad resultó cómoda como un pantalón viejo. Ser un solitario, como ser ateo, es algo que hay que demostrar, no será suficiente con decirlo.

¿Qué Argentina acabó encontrándose en sus últimos Cuarteles de Invierno?

Buena pregunta. En Argentina, seis meses puede ser demasiado tiempo. En seis meses se mueve el piso sin necesidad de terremotos. Lo suficiente como para complicar la vida a los trabajadores, al pueblo. Por lo general, un año en Argentina es como un exigente combate de boxeo. Llegamos a los últimos rounds casi sin poder respirar, ya ni sentimos el dolor de los golpes pero estamos golpeados. Últimamente, parece inevitable encontrarse una Argentina diferente después de viajar unos pocos meses… La misma pero distinta. Más complicada. Una vida diferente cada día.

My Mafia es una canción de lealtad, de amistad y delincuencia. En su estribillo dice Cuando ladra la moral en modal inquisición, me corresponde cantar a la libertad. ¿Cuáles son, en estos tiempos, las nuevas formas de inquisición?

Ahora que estamos perfectamente conectados, estamos divididos. Los cambios culturales y comunicacionales de los últimos diez años desencadenaron una serie de reflejos, uno de los cuales es “buscar culpables”. Los razonamientos no son intelectuales, ni siquiera contemplan un cálculo estadístico ni jurídico. Tampoco hace falta porque la información es personalizada. Cuando demasiada gente dice exactamente lo mismo, es que nadie está pensando lo que dice.

¿Y le corresponde al músico de rock cantar para cambiar el mundo o aquello se quedó en el anhelo de esa generación del siglo pasado que creía que el mundo se podía cambiar?

En el siglo pasado creíamos que las cosas no podían cambiar demasiado… Con excepción de unos meses durante 1968. El siglo pasado es el siglo de las guerras y las post guerras. Del nuevo orden mundial. Ahora existen generaciones que quieren cambiar también… Quieren cambiar la leche de vaca por la leche de almendras. El mundo se podía cambiar, pero otros lo cambiaron primero. Por lo visto era un buen negocio.

Su amor por el mundo del toro se cuela a menudo en su repertorio desde hace años. El instrumental de A los toros de lata, El tercio de los sueños, Media Verónica, referencias en muchas otras canciones como 5 minutos más, Inexplicable…. Como en este título, Cargar la Suerte, el español está lleno de expresiones taurinas que todos usamos cotidianamente: ponerse bravo, tirarse al ruedo, cambiar de tercio, estar al quite… ¿Cuánto falta para que los nuevos moralistas radicales del lenguaje vengan a criticar las expresiones de la tauromaquia que están totalmente integradas en el habla del pueblo y que enriquecen tanto este idioma?

Creo que los intelectuales están advertidos sobre la importancia de la tauromaquia intacta. Estadísticamente, el toreo, es inopinable. Mire usted; en un país agrícola y ganadero se sacrifican entre seis mil y sesenta mil vacunos por día. En una tarde de toros, mueren seis toros. Además, mueren en cinco minutos y pueden defenderse. Si abrimos los ojos sabríamos que el sacrificio del toro no es más cruel que la vida. El hambre es el asesinato.

Las Rimas es un rap valiente y confesional sobre una base de balada rock con una letra tremendamente emocionante que abarca desde episodios biográficos, el paso de los años reflejado ante el espejo, la soledad… hasta crónica social argentina o la recomendación de no tener hijos, cierta crítica a la familia. Aunque curiosamente, uno de los primeros versos dice Honramos la memoria de nuestro padre, que suena especialmente emocionante teniendo en cuenta que este es el primer disco que publica tras la pérdida de su padre, el intelectual argentino, Eduardo Calamaro.

Pues sí… Las Rimas es todo eso. Viene a desmontar cierta mala reputación que tiene esta forma de escribir canciones rimando. Se dice de las rimas que clausuran cualquier opción poética, algo que a mí se me antoja demasiado exigente. Justamente, una serie de rimas deliberadas y sostenidas de cuatro en cuatro, ofrecen más verdad, y más transparente. La música de las canciones también es texto.

 Incluso, también se puede decir que hay cierta presencia en el disco de su raíz materna, porque cuando le puso el disco a su madre, ella le recomendó situar el tema Voy a volver, una canción de vida y raíces, como la última canción, cerrando Cargar la Suerte ¿no es cierto?

Estoy echando raíces en los aeropuertos… a pesar de los aeropuertos.

Mi ranchera es una balada oscura y épica con reminiscencias Beatles, una de esas  canciones que tiene sangre, Blood On The Tracks que diría Bob Dylan. ¿Son más duras las despedidas, el hecho de no tener siquiera una despedida o… un balazo?

Nunca me gustaron las despedidas y tenía razón. Pero hay diferentes especies de despedidas, claro está. En los términos de “Mi Ranchera”, la despedida se presenta sin anestesia. En la huida hacia adelante no tomamos prisioneros.

La mayoría de las canciones de Cargar la Suerte están escritas en primera persona.  ¿A qué se debe el especial efecto (de identificación) que el oyente logra tener con las canciones escritas en primera persona y que es más difícil de alcanzar en otras formatos de arte (un cuadro, una película…)?

Dicen que las canciones escritas en primera persona son un género literario. Se entiende que una canción cantada en primera persona tiene la cualidad transitiva del trasplante de la primera persona. Una canción escrita en segunda persona puede ser transparente o enigmática, pero la transfusión de un texto escrito en primera persona es más transportable.

En este disco, como anteriormente había hecho junto a Ariel Rot o el Cuino Scornik,  vuelves a firmar algunos temas formando  una dupla compositiva junto a Germán Wiedemer, que además ha escrito arreglos y lleva varios años siendo el pianista de su banda. ¿Cómo ha sido componer junto a Germán?

Resultó muy bien. Nunca habíamos intentado resolver un repertorio desde el principio. Nos complementamos con la letra y la música. Partiendo de textos que enviaba por correo recién escritos. Acompañamos el disco hasta el final. Confié en Germán para cuestiones musicales de importancia, y compartimos los créditos. El disco es nuestro y de Gustavo [Gustavo Borner, productor]. Aunque ya abandonamos el barco.

 Bajo el pseudónimo de DJ Loto Volador, está haciendo radio diaria de calidad (in crescendo, si me permite como habitual oyente) comentando y pinchando música en una radio independiente argentina con su programa La Hora de los Magos. ¿Está disfrutando su faceta de hombre de radio?

La radio me gusta. Más que la televisión. Hablar en un micrófono me resulta familiar, soy un cantante de laboratorio y de micrófonos. Hago programas musicales con un sistema que me permite hacer radio sin moverme de casa o viajando por el mundo. Lo estoy disfrutando aunque, al no ser un programa emitido en estricto directo, me pierdo el feedback con los oyentes. No sé si son veinte o veinte mil personas escuchando.

Además de su actividad radiofónica, también prepara una revista, Nervio, un libro de fotografía taurina y nuevas grabaciones. ¿Cuántas horas tiene el día de Andrés Calamaro?

Pocas horas… Necesito horas para despertarme del todo y más horas para lograr dormirme. Tampoco es tan intensa mi actividad, son proyectos que intentamos concluir, mientras tanto progresan. Prefiero si me queda tiempo para cocinar todos los días.

En los últimos años se aficionó al boxeo, que es un deporte de apreciación (cuando los dos boxeadores terminan en pie son los jueces los que valoran y determinan la suerte del ganador en función de la defensa, el ataque, la técnica y la ciencia). También, en cierto modo, los toros son un arte de apreciación. ¿La suerte o el éxito de un disco o de una carrera musical qué lo marca?

El éxito de un disco es algo que se presenta confuso según un cambio de paradigmas culturales y comunicacionales. Un cambio bastante violento pero irrenunciable. Supongo que en los próximos días voy a recibir conclusiones urgentes, que en los próximos meses voy a leer críticas y comentarios, y en los próximos años estas canciones van a ser parte del repertorio de giras imaginarias. Es complicado medir el impacto de un disco en pocos días y sin apenas ventas de discos.

¿Cómo mira al futuro Andrés Calamaro?

Con un solo paracaídas.

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Un Enemigo del Pueblo, Alex Rigola vuelve al Teatro Central http://8pistas.com/un-enemigo-del-pueblo-alex-rigola-vuelve-al-teatro-central/ http://8pistas.com/un-enemigo-del-pueblo-alex-rigola-vuelve-al-teatro-central/#respond Wed, 07 Nov 2018 11:01:59 +0000 http://8pistas.com/?p=21148 Tenéis que ir a ver esta obra de teatro, os la recomiendo encarecidamente, es potente, espectacular y muy original.

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Tenéis que ir a ver esta obra de teatro, es muy original, te va a poner entre la espada y la pared, vas a tener que decidir, esto depende de ti, así que este fin de semana no tienes un plan mejor, teatro en el Central.

Álex Rigola nos trae el clásico de Ibsen en una versión verdaderamente especial, todo el mundo está hablando maravillas de esta obra de teatro, público y crítica.

Enemigo del pueblo trata de la capacidad de libertad que tenemos y de si estamos dispuestos a ejercerla. Habla del voto, de nuestro voto, de su valor, y de si estamos dispuestos a tomar partido a pesar de las consecuencias, y no lo hace de modo teórico, tendremos que decidir desde nuestras butacas y lo que se sentirá es algo que no me pienso perder.

“Una compañía de artes escénicas recibe subvenciones públicas otorgadas por un partido político con ideales y acciones contrarias a su ética. Los miembros de la compañía deciden callar lo imprescindible para no perder las ayudas que dan viabilidad a su proyecto artístico. ¿Con qué fuerza moral suben después al escenario e intentan mostrarnos su visión del mundo?”

Esto es una producción de Pavón Teatro Kamikaze, que en poco tiempo se ha convertido en una referencia obligada del teatro de vanguardia actual, con el gran Miguel del Arco a la cabeza.

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