Kiko Veneno ojea el programa del Festival de Cine de Sevilla. Blue Jean, este es el título de una canción muy buena de David Bowie. La primera ronda de promoción de Un día Lobo López sólo les deja el viernes libre a él y su director, Alejandro G. Salgado, tercer interlocutor en la mesa. Con casi todas las entradas de las proyecciones vendidas buscan qué película ver. “¡Juan Sebastián Bollaín, Cortos de juventud! ¡Ya está! Esa voy a ver, ya lo tengo. Porque eso me dijiste tú que había que verlo.” “Pero esos no son los que yo te dije, esos son de todavía más joven”. “Qué mala suerte, hijo”.

Esta mañana algo calurosa de noviembre se ha proyectado por primera vez Un día Lobo López para un grupo de prensa y cineastas. Una película documental de Alejandro G. Salgado con un disco como protagonista: Échate un cantecito. El gran hito que cambia la carrera de Kiko Veneno hace treinta años. Durante casi hora y media, las canciones van renaciendo en la pantalla, creciendo por capas reinterpretadas por los mismos músicos que las grabaron en Londres dirigidos por Joe Dworniak. A doble pantalla, se empatan las imágenes de la grabación y la vida explosiva de una ciudad que cambiaba a toda velocidad, Sevilla 1992. El año de la Expo. La Sevilla que no salía en las fotos de los turistas y la que se desparramaba en la Cartuja. Un universo audiovisual que llega este viernes 24 de marzo a los cines. El universo de Échate un cantecito.

Alejandro G. Salgado: ¿Te ha gustado la peli?

Antonio Arispón (8pistas): Me ha encantado, me la he cantado entera. Échate un cantecito no es sólo, probablemente, mi primer recuerdo musical de niño, es que aprendí a leer con las letras de este disco. Lo escuchábamos mucho en el coche, en casete, y como, imagino, me inventaría las letras, mi padre me las imprimió todas y las iba leyendo.

Kiko Veneno: A lo largo de los años, me han escrito varias veces de distintos países muy lejanos del extranjero: de la India, de Australia, de Canadá… Profesores de español que estaban allí, por lo que sea, y enseñaban español a través de mis letras. Lo cual me parece muy bonito. Sobre todo eso, como son sencillas, no tienen complejidad ni una gran dificultad. Soy mensajero, no tengo nombre. Está muy bien para aprender idiomas. Tiene su misterio, su adivinanza, su profundidad. Pero el lenguaje es muy válido para aprender.

Nosotros aprendimos inglés muchas veces con las canciones de los Beatles, pero con los títulos. Lo primero, I Wanna Hold Your Hand. Help, ayuda. Con los títulos nos valía. Love Me Do, eso ya no sabíamos muy bien qué quería decir. Pero muchos títulos sí nos sirvieron para aprender inglés básico.

8P: Luego estaba I’m the Walrus, que es más complicado de meter en una conversación.

KV: Pero eso se entendía perfectamente, ¡yo soy la morsa!

AS: Yo sé morsa en inglés por la canción [risas].

KV: Para mí los Beatles jugaron ese papel también.

8P: En Échate un cantecito terminaste de asentar las bases de tu lenguaje: las imágenes cotidianas, el surrealismo, lo humanístico.

KV: Habla mucho de la intimidad de las personas. De las vivencias muy personalizadas, pero hay poco de social. Superhéroes de barrio, incluso, es para mí un homenaje al mundo del cómic. Cuando llegué a Estados Unidos me fascinó muchísimo. Empecé a leer los tebeos de Spiderman. Los vi en Nueva York. Llego a Boston, llego a Nueva York, veo todo aquello y entonces comprendo a Spiderman. Hay frases de Spiderman en ese disco, además. El cómic es cine. Yo no había reparado en eso hasta entonces. Es como un guión de cine. Y, sobre todo, esos cómics de superhéroes: te ponen todos los puntos de vista, la cámara está en cualquier lado, es perfecto.

Pero Superhéroes de barrio no lo veo con un rollo social, no en el contexto político social que me gusta a mí mucho reflejar también en la vida, lo he hecho en muchas canciones. No, éste es un contexto muy humano. El paisaje urbano de los superhéroes de barrio, darle importancia a la gente de los barrios sin ese trasfondo social.

AS: De Superhéroes de barrio sacasteis el cómic en el año 90 o 91. Que no era la letra de este Superhéroes, era la de Superhéroes II. En la revista Imagen está publicado, yo lo tengo en mi casa.

8P: Alejandro, ¿cómo se te ocurre hacer este documental?

AS: Por un lado, siempre había admirado el trabajo y las canciones de Kiko. Es un referente. Y por otro, había hecho ya antes una pieza non finita, porque para mí no está acabada (aquello fue un desastre de producción), con intenciones parecidas. Musicales, centradas en una obra, con intención de mostrar parte de lo que rodeaba esa obra a nivel colectivo, musical, cultural, artístico, urbanístico, tecnológico. Nos parecía muy pertinente lo que implicaba el disco en sí, un disco que hemos triturado de escucharlo, nos ha acompañado toda la vida. El análisis del disco y lo que implicaba en la vida de Kiko era muy interesante. Toda la historia que tiene detrás, no sólo la composición y creación de las canciones.

8P: Tenías diez años cuando salió el Cantecito.

AS: Tenía diez años. Tengo el recuerdo de la primera vez que lo escuché. Tenía un primo mayor que trabajaba en una terraza en mi pueblo, en Los Palacios, en la Habana. Estaba limpiando vasos allí. Recuerdo entrar por la cancela de atrás, por donde entraban los camareros, y había una letra y una música sonando todo el rato. Y eran Joselito, En un mercedes blanco… sonaban siempre. Lo tengo asociado a eso, a aquella terraza de verano que era la gran novedad, ¡tenía aspersores! Hace treinta años. Ahora tengo la edad de Kiko cuando él hizo el disco.

8P: Como se menciona en la película estaba haciéndome la misma comparativa, yo tengo la edad de Kiko cuando graba Veneno.

KV: Empecé un par de años antes. Con 25 grabo el disco de Veneno, pero llevaba ya un par de años trabajando, componiendo y tocando con Raimundo. Ya estaba haciendo canciones. Empezaría en la música con unos 23 años.

8P: Y este disco, a los 40, es el que te quita de trabajar en otros oficios y poder dedicarte exclusivamente a la música. Cuentas en la película que hay letras que escribías mientras trabajabas en Diputación.

KV: Escribía letras donde pillaba. Estaba totalmente focalizado. Como ahora mismo estoy, tengo siempre en la mochila dos o tres cuadernos donde voy escribiendo historias y letras. Estaba muy mentalizado de escribir y desarrollar eso. Si se me ocurría una letra en el trabajo, la escribía. Como, afortunadamente, lo que se me ocurre a mí se puede apuntar fácilmente, podía simultanear. Échate un cantecito por el camino de hierro. Eso se me ocurrió en Diputación a la hora de la cerveza. No era todos los días, pero ese verso se me ocurrió en el trabajo.

8P: Es que era un ultimátum de disco. Aunque Santiago Auserón no se lo creía. Pero planteaste que si este disco no salía bien, dejabas la música. ¿Si no hubiera salido bien…?

KV: Bueno, estamos en el mundo de que si Franco hubiera perdido la guerra [risas]. En el mundo de las hipótesis podemos trabajar lo que queramos. Yo creo que perdió la guerra, además. Lo discutíamos el otro día. Aparentemente la ganó, pero al final la ha perdido. Todavía no se han enterado definitivamente. Muchas víctimas todavía no lo han podido constatar. Pero la historia va en dirección de que perdió la guerra. Como Hitler. Vamos, como resulte que al final Hitler fue el ganador y que tenía razón, me parece que no hay mucho porvenir en el mundo. Imagínate que ahora revisan y resulta que el bueno era Hitler [risas].

8P: Hay unos que cualquier día nos lo van a decir.

KV: ¡Lo están diciendo! En España, la derecha política lo sigue diciendo.

8P: Volviendo al disco, Échate un cantecito marca también para siempre tu sonido. Está muy bien eso del cariño sigue la misma senda.

KV: Totalmente. Está muy bien eso del cariño es su hermano gemelo, la continuación. No tuvimos que trabajar tres años para prepararlo porque ya estaba asentada toda la base. Hay canciones que se habían quedado atrás, canciones que habíamos presentado en la gira del Cantecito, que hicimos con Juan Perro. Memphis Blues, por ejemplo, la preparamos ese verano, antes de que saliera el disco. Es muy deudor, el mismo sonido, los músicos son prácticamente los mismos. Pero con Raimundo, en vez de con Lolo Ortega y Pájaro. El sistema de grabación, la producción, la batería, todo lo demás igual. Son discos gemelos.

8P: Y con una personalidad marcadísima. No te han salido imitadores.

KV: Es verdad. Bueno, eso es una cosa buena y mala. Si te imitan, quiere decir que tienes un carácter muy definido. Como Julio Iglesias, como Raphael. No quiere decir con esto que yo no tenga un carácter muy definido, que creo que lo tengo, pero es más difícil de imitar. No sé por qué, tampoco lo entiendo muy bien. Por alguna razón soy difícil de imitar. Mi onda la ha seguido mucha gente, el camino, pero no concretamente imitarme como imitan a Raphael. [Pronuncia Rapael y lo imita cantando Qué sabe nadie] Eso no, no hay una forma clara de imitarme a mí.

AS: Supongo que porque la gente que es fácil de imitar tiene una fórmula que machaca mucho. De las cosas que más admiro de Kiko es que mantiene la esencia pero da muchos saltos al vacío. A nivel artístico, poner un pie por delante sin saber si hay una losa, a mí me hace quitarme el sombrero.

8P: En este documental debe ser de las pocas ocasiones en que Kiko, que siempre está mirando hacia delante, echa la vista atrás.

KV: Para crear hay que mirar adelante. Ahora bien, es muy importante saber qué hay detrás. Si no sabes ni tú mismo lo que has hecho, difícilmente puedes mirar al futuro. Sin saber de dónde vienes es difícil construir un plan de vida.

8P: ¿Estás ya en lo siguiente?

KV: Siempre, siempre lo estoy.

8P: ¿Y de dónde se siguen encontrando las canciones?

KV: De mi interior, que es el interior de mucha gente. Mi interior es el exterior de mucha gente. Mi exterior es el interior de mucha gente. Ahí hay una comunicación social y los músicos somos trasmisores. En el caso de la música popular, que es lo que yo hago, somos recopiladores de mitos e inconscientes colectivos, de muchas cosas que están flotando en el aire pero que nosotros acertamos a veces a atrapar y definir. Atrapar el aire de nuestra época, de nuestro tiempo, dar alas a la libertad, atreverse a imaginar, tener visiones.  Es muy importante tener visiones. Una cultura sin visiones es siempre un arte corto. Un arte muy deudor de lo inmediato pero con poco vuelo. El arte no es algo para obtener una recompensa inmediata, es algo que permite canalizar tus visiones. No en el sentido de un visionario que se anticipa al futuro. Visiones que son poesía. Imaginar. Dejarse filtrar el cuerpo y el alma y que salgan fuera los sueños. Lo que sueñas y no tiene sentido pero sabes que es tu vida.

El arte popular no puede ser solamente un costumbrismo, una recopilación de frases de la época y de cosas comunes. Se requiere la libertad individual del autor para, entre todas esas cosas colectivas, adaptar su visión personal. No en el sentido premonitorio ni de punto de vista. Las visiones son elementos poéticos. Bob Dylan. Sus canciones son visiones más que narraciones. Él se tomaba sus anfetaminas, empezaba a escribir lo que le salía. Luego, la gente se daba cuenta, cuando lo escuchaba, que lo que le salía a Bob Dylan era una cosa que remitía extraordinariamente a lo que estaba pasando en su época y en el mundo. Pero él no pretendía eso. Es decir, en ningún momento estaba refiriéndose al mundo. No es explícito, no es funcional.  Eran visiones muy personales. Claro, muy personales, pero estamos en el mundo, y nuestras visiones, si tenemos fe en ellas, van a reflejar cosas profundas del mundo.

Me he dado cuenta de que en España estamos muy faltos de eso. Las visiones se estilan poco en las canciones de la música española. Lo utilizó Radio Futura, lo utilizó Veneno, lo utilizo yo cuando puedo. Pero, muchas veces, las letras españolas se quedan demasiado cortas. Son muy buenas pero definen un proceso, una cosa muy concreta, momentos de la vida, poesía, tal y cual. Pero ese desparrame emocional de decir una cosa que a la primera escucha no entiendes pero que te alude: a eso llamo yo visiones.

8P: La música española vive más a pie de tierra.

KV: Sí, en el sentido de que se atreve poco. El cine quizás se atreva más. Hay más visiones que en la música. Lorca también hacía visiones. Dalí, por supuesto. Picasso. Los artistas tenemos que tener visiones.

AS: Yo creo que las está habiendo. Desde hace unos años está habiendo una apuesta fuerte  muy arriesgada, muy solitaria, muy dolorosa, por parte de las productoras independientes. Muy dolorosa porque las ayudas públicas acompañan muy mal a estas propuestas más interesantes y estimulantes, las que nutren el ideario que vendrá después. Las entidades públicas tienen que ponerse las pilas y escuchar lo que se está haciendo. Muchas tienen un recorrido internacional y se valoran fuera. Desde hace diez años, quizás algo menos, está habiendo un crecimiento muy grande y floreciendo apuestas muy potentes. El nuevo cine gallego lleva 5-8 años funcionando en un nivel brutal, con un riesgo formal y artístico súper poderoso. ¿Por qué? Porque hay una inversión a través de la Administración Pública en facilitar mínimamente que este tipo de obra se pueda hacer. Cuando no es así, como el caso de Andalucía, cuesta la misma vida. Y en vez de haber cinco películas al año que sean ricas y contengan poesía, misterio y arte, hay una. La intención está. Y hay gente capacitada para hacerlo. Pero depende mucho del abrigo y la protección que tenga la cultura, que tiene que estar blindada, independientemente del color de la bandera del político que entre. Si no, es echarnos a los perros y que el perro más grande nos coma.

8P: Y que el pueblo deposite su confianza en el artista. Al artista nuevo también hay que darle atención. Al músico prestarle los oídos, al cineasta los ojos. En el Cantecito, un elemento vital es la confianza de Auserón.

KV: La confianza que me aporta como amigo y como músico. Además, él ya tenía una productora y estaba haciendo una carrera con Radio Futura muy buena. Tenía los elementos de producción para esa carrera, que eran los que estaba utilizando para sus discos y sus directos. Es la maquinaria que puso a mi servicio. Maquinaria privada totalmente. En este sentido, no es para nada como en el cine. Es verdad que el cine necesita esas ayudas. En la música, en esa época, las compañías de disco todavía prestaban oídos a cosas interesantes como Radio Futura.

En la película se ve el mundo de amistad y confianza que me aporta Santiago. Me dio la confianza para confiar en mí mismo. No me decía que hiciera esto o dejara de hacer aquello. Vas bien, vas bien, vas bien. Eso es lo que me decía. Mándame más cosas. Yo decía killo, ¿este tío? ¿Esta que ayuda es? Cuando terminé, me di cuenta que esa era la ayuda que me tenía que dar. Esta es la ayuda que yo necesitaba. Al principio me inquietaba un poco, pero de momento lo comprendí.

8P: Hay dos claves en el documental. La primera es que se desarrolla a través de la narración por parte de los propios músicos protagonistas. La segunda es que es un documental musical con música. Todo el tiempo. Se muestra cómo nacen las canciones, cómo crecen, cómo cambian, cómo van sumándose los músicos.

AS: Ha sido una de las cosas más bonitas. Además de rodearte de gente que admiras y poder trabajar con ellos, con respeto y cercanía; lo más chulo ha sido ponerlos a tocar las canciones. Ponerle los cascos y decirle tócate algo parecido a lo que tocaste en aquel momento. Y que eso haya sido ingrediente para nosotros para jugar. Meter, mientras están hablando, una guitarra de Pájaro por aquí, el bajo que grabó Joe por allá. Sin desvirtuar nada, pero jugar a eso era muy chulo, que las cosas se fueran contando tocadas.

KV: Este método ha propiciado algunos reencuentros, incluso. Porque, por ejemplo, Lolo está ahora mismo tocando con Raimundo en su grupo. Yo nunca he perdido el contacto con Joe, pero cuando he estado en Londres ahora pensaba que sería maravilloso hacer otro disco con esta gente. En otro contexto, con buenas canciones, con un sonido que hoy haríamos otra cosa, tratado de otra manera. Seguiría siendo muy interesante. Es una apuesta que está ahí.

8P: Hay una doble pantalla, casi constante en la película, poniendo en contexto la historia musical y la ciudad de Sevilla en 1992. La propia comparativa teje el conjunto, no hace falta una narración explícita.

AS: Todo dependía mucho del archivo que tuviéramos. Hay cosas con las que hemos tenido suerte. Vino a vernos el santo de turno cuando, al final de la peli, el día del Lope de Vega, estaba lloviendo. Encontramos unas imágenes de 1991, de gente haciendo cola en una manifestación, para ver a Carrillo, en el mismo sitio, con paraguas, lloviendo… Hasta el final lo hemos tenido con las mismas imágenes y los mismos puntos de vista. Ha sido muy bonito.

Cuando estábamos en Londres le pedíamos a Kiko espérate ahí un momento, que tenemos una foto idéntica de cuando grabaste el disco hace 30 años. Vamos a posar exactamente igual. Todo surgió a lo largo de este 2022, nos llegaban fotos de Lolo, veíamos cuáles nos venían bien.

KV: ¡¿Lolo hacía fotos?! No lo recordaba.

AS: ¡Claro! Y algunas las harías tú porque salen él y todos los demás.

KV: Vale, vale. Yo nunca he tenido cámara, ahora con el móvil sí hago fotos. No tenía conciencia de eso. Me pega porque Lolo siempre ha sido muy curioso de la imagen, escribía cómics, hacía dibujitos, me pega.

AS: Y claro, esa era la idea. Tratar de hacer algo sin tener que subrayarlo, sin tener que poner nombre al personaje, lo cuenta la propia narración. No hace falta un subtítulo. La intención era huir un poco del lenguaje del reportaje y convertirlo en algo más cercano a una película.

8P: Kiko, ¿qué te ha dado este reencuentro con el universo de Échate un cantecito 30 años después?

KV: Me ha hecho ver que hicimos un disco muy clásico. Sin pretensiones de que lo fuera. Nuestra pretensión es que fuera consistente, sólido. Ha pasado muy bien el tiempo por él. Es un trabajo definitivo en ese aspecto. Concentra las aspiraciones artísticas que teníamos en ese momento. Las define con mucha precisión y fuerza. Me ha gustado ver cómo se mantiene esa obra a través del tiempo y cómo conseguimos un sonido muy original. Un sonido que no se ha podido repetir. Es como los discos de Santana. Santana hacía los discos, cuando empezó, en los años 70, construyendo rápidamente un sistema de sonido que nadie ha podido siquiera imitar. Los discos de Santana con Chepito Arias tocando los palillos y las cajas. Era un guitarrista muy bueno, pero hay guitarristas mejores que él. Pero ese sistema de sonido nadie lo ha podido recrear. Ni lo han intentado.

Me gusta mucho darme cuenta de que es un mundo sonoro muy consistente y definitivo. No envejece, sigue siendo clásico.

Fotografías por Antonio Andrés y Lolo Vasco (primera de ellas, cedida por Festival de Cine de Sevilla)

Pases especiales de Un día Lobo López:

23 de marzo – Madrid, Guernica y Luno

24 de marzo – Valladolid

27 de marzo – Badajoz

29 de marzo – Cádiz

30 de marzo – Córdoba

31 de marzo -Málaga

Estreno 24 de marzo en cines

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El Conde de Torrefiel, una de las compañías de teatro contemporáneo de más éxito de España, llegan al Teatro Central con su obra «Una imagen interior»

Esta compañía valenciana, es uno de los grandes referentes del teatro contemporáneo y cada una de sus propuestas son realmente originales, con un lenguaje y una estética propios, y siempre muy valientes, por eso se han ganado que sus propuestas giren por todo el mundo.

Su público no suele ser masivo, pero si un público que los ama, que los sigue y que se sienten realmente conectados con su forma de ver el mundo y expresarlo. El Conde de Torrefiel no es para todo los público, pero su propuesta te aseguro que no te dejará indiferente.

Si quieres saber de que va eso del teatro contemporáneo, El Conde de Torrefiel es una de las compañías claves que tienes que conocer, vente al Central, es una oportunidad única de conocerlos.

De esta obra han dicho:

«Una imagen interior es esta explosión de pensamientos y sensaciones, que busca desplegar todo el erotismo de nuestra imaginación. Y tal vez, ¿quién sabe?, inventar otra realidad: la del mañana…» www.tea-tron.com

La compañía, aun rozando ese peligro, quiere poder tener la libertad de comenzar a conformar la realidad de nuevo, de volver a nombrar las cosas, como acto de liberación artístico y humano» www.eldiario.es

«El Conde constata que vivimos en un mundo de ficciones colectivas que nos permiten ordenar el mundo, nombrar la existencia y calmar el miedo, pero nos dice que, en el fondo, aquel hombre prehistórico, autor de esa pintura cuya réplica cuelga en un museo, no es muy diferente de nosotros: miramos el mismo cielo, miramos el mismo sol, miramos la misma luna». El Confidencial

Entradas: https://teatrocentral.sacatuentrada.es/

Viernes 24 y Sábado 25 en el Teatro Central, Sevilla

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Cita en Maestranza. Arcángel regresa este viernes 17 de marzo al Teatro de la Maestranza con su propuesta Bel Cante.  Un proyecto en el que el cantaor onubense tiende puentes entre su cante flamenco y la música clásica, la ópera o la zarzuela. Un nuevo interesante atrevimiento de un artista que cada vez se abre más a la bendita herejía de fusionar otros mundos musicales con su tradición flamenca.

¿Es la música clásica antagónica del flamenco? ¿Pueden entenderse dos géneros tan aparentemente distantes? La respuesta es Arcángel. Hacía falta un cantaor tan audaz como el onubense Arcángel, atento a la tradición flamenca pero siempre abierto a la innovación, la osadía y la vanguardia, para intentar cruzar desde la orilla de las arias o los interludios de Il trovatore, El barbero de Sevilla o Madama Butterfly, así como de otras páginas escogidas de la zarzuela, hasta la playa del flamenco.

El viaje es, sin duda, prometedor y excitante. Pues Arcángel no lo emprende solo. Con una dirección musical reforzada por la sabiduría de Isidro Muñoz, Arcángel cuenta con la dirección, composición, los arreglos y la guitarra solista de José María Gallardo del Rey, un músico con don de lenguas que lleva mucho tiempo basculando con brillantez entre ambos géneros, más el Quinteto Totem Ensemble, cuatro de cuyos cinco miembros son músicos de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla.

Arcángel da el (bel) cante. Con conocimiento, responsabilidad y respeto. Pero también con la ambición de explorar nuevos horizontes musicales para la clásica y para el flamenco. Con Arcángel no hay músicas antagónicas. Para unirlas, sólo hay puentes.

Dirección del proyecto y voz principal al cante: Arcángel

Dirección musical, composición, arreglos y guitarra solista: José María Gallardo Del Rey

Dirección musical: Isidro Muñoz

Arreglos musicales: Jesús Cayuela

Quinteto Totem Ensemble: Vladimir Dmtrienco (violín primero), Luis Miguel Díaz Márquez (violín segundo), Jerome Ireland (viola), Nonna Natsvlishvili (violonchelo), Francisco Lobo (contrabajo)

Arcángel · Bel Cante

Viernes 17 de marzo, 20:00 h · Teatro de la Maestranza

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Fotografías por Guillermo Mendo, cedidas por el Teatro de la Maestranza

Con su banqueta llamativamente baja, tocando casi a ras de suelo, como para no desconectar de la tierra sus manos, dejándose caer a peso sobre las teclas. Con sus dos fidelísimos partners in crime, inventivo apoyo de lujo, cómplices habituales a lo largo de las dos últimas décadas, sus inseparables Larry Grenadier y Jeff Ballard al contrabajo y la batería. Con el escenario de lujo del Teatro de la Maestranza, si bien no en una de sus noches más rebosantes, pero generosamente entregada la afición en el patio de butacas, con mucho músico de altura y entendido ofreciendo su mejor par de oídos al pianista Brad Mehldau, maestro moderno del jazz que protagonizaba esta cita en la plaza grande de la música sevillana.

Es Mehldau uno de esos músicos con un don abrasador, una cualidad que sólo los mejores poseen: es imposible no identificarle tras escuchar apenas dos compases de su piano. Con ese estilo marcado, moderno y, sin embargo, no explícitamente alejado de la base más clásica del jazz. Y su personalísimo contrapunto de abrevadero barroco, un reloj imponente escuela Bach con el que juega a dejar fluir el tempo como los relojes de Dalí.

Un artista del constant concept en su música, con una siniestra prodigiosa que suena por dos, una zurda de mago del siglo pasado. La izquierda haciendo la música y la derecha ejecutando, que diría Paco de Lucía. Aunque, acideces entre líneas aparte, Brad Mehldau ejecuta ambidiestramente con maestría. Como aquellos extremos puros del fútbol de antaño que manejaban tan habilidosamente la pelota con ambas piernas que el defensor nunca sabía por dónde le iba a salir al encararle. Y con la elegancia del acompañante fino cuando toca ser fondo y no primer plano, al servicio de la canción o del concepto, según corresponda. Es un lujo escucharle también en discos de otros como miembro más de la banda, como, por ejemplo, en Scar (2001), grabación pata negra de Joe Henry que cuenta también en sus filas con Ornette Coleman, Marc Ribot, Brian Blade o Meshell Ndegeocello. Cuadrilla cara. Qué gustazo de atmósfera tremenda que teje ahí el pianista. Asiduo de las versiones de las grandezas del pop y compositor interesante. Así es Brad Mehldau. Un universo propio, pura clase.

Dejó en el Maestranza una noche para el recuerdo. Cediendo protagonismo en momentos clave a las cabalgadas rítmicas de Ballard y a los melódicos graves de Grenadier. Arrancó con una pieza original remitiendo al blues, Unrequited, con el pulso bien atrás, arrastrando el golpe, escuela New Orleans. Versionó con sutileza una joya grunge, Got Me Wrong de Alice in Chains. Romanticismo chopinesco el que desprendió el ¾ de C Minor Waltz. Estándares del género como All The Things You Are o In The Still of the Night. Y dos cumbres del concierto: el celebrado And I Love Her de los Beatles como último de los bises que el trío ofreció. Una versión la suya, conocida y, no obstante, siempre disfrutable. Sencilla, intuitiva, hermosa. ¿Cómo afrontaría un buen pianista amateur la tocata de este clásico de los Beatles? No de forma muy diferente a como lo hace Brad, aplicando con la genialidad de los sabios el menos es más a una canción que no necesita aditivos. Y el otro siete mil: una lectura deliciosa de Si tu vois ma mére, quizás el momento de más alta inspiración de la noche. Extendiéndose como quien no quiere dejar apagar un momento interesante de brillantez y conexión con el arte, como el músico en la intimidad de su ensayo casero. Jugando con exquisitez, alcanzando la trascendencia. Gustándose, gustándonos, dejándose llevar en la nube de esa melodía preciosa. Una bonita canción, apostillaba en español. Casi dos horas de vuelo que volando corrieron.

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El primer disco con olor de la historia fue The Secret Life of Plants de Stevie Wonder, que nunca llegó a ver una flor pero sí vivió sus perfumes.

La vida secreta de las flores es aquella parcela de nuestra vida que creemos absolutamente íntima, impenetrable, inalcanzable por la mirada ajena, de la que las flores son privilegiadas testigos silentes. Aquella vida callada, la de la flor, que nos impregna abrazándose a un recuerdo, a un significado, a un lugar, prendiendo toda su existencia a quién la trajo a casa, a quién la cuidó, a quién la dejó marchitar.

El cínico huele a flores y piensa de quién será el entierro; el romántico quiere arrancar un ramillete para sorprender a su enamorada. Hay quien habla con las flores, quien las acaricia con la mirada y quien convive con ellas con la misma indiferencia que con cualquier otro objeto inanimado. Las flores, además de seres de vida, son un elemento de expresión cultural y emocional constante en la historia de la humanidad. Hay floras en las bodas, en los cementerios, en las solapas, en el patio de la abuela y dentro del fusil que disparó en Vietnam.

Apenas cambia el contexto, pero se mantiene la flor. Cada nueve de noviembre, Cecilia recibía su ramito de violetas. También a una violeta le susurraba historias la mariposa de Lole y Manuel que parecía una flor de almendro (blanca la mariposa y rojo el clavel, rojo como los labios de quién yo sé). Cecilia Roth juntaba las margaritas del mantel de Fito Páez. Calamaro perdió la flor, le dejaron el florero. Las flores de los Rolling Stones estaban muertas. Con jazmines en el pelo y rosas en la cara, del puente a la alameda, La flor de la canela. Se vestía de fiesta la rosa que engalana en el tango de Gardel y Le Pera. Dormían nardos y azucenas en aquel bolero que clamaba Silencio para penar los tormentos. La flor era una despedida para Nino Bravo. Y dos gardenias un te quiero para Machín.

Cada uno vive sus flores y las va regando según le llueve.

Yo tenía en mi escritorio una rosa blanca en un jarroncito de cristal, junto a una pila importante de libros esperando a ser leídos, que me encantaba mirar y me hizo feliz con una longeva esperanza de vida insospechable. Y ahora es una rosa sepia y marchita bellísima. Igual de testigo de todos mis días que lo fue en su plenitud. Una nueva piel para la vieja ceremonia que me recuerda que los meses se atropellan en el calendario transformando las bellezas pasadas en nuevas formas de belleza.

Hace un par de jueves nació Bien Studio, el proyecto creativo del director de cine Juan Escribano, recientemente premiado con una Mención de Honor en el Sevilla Indie Film Festival 2022 por su cortometraje Dejar de ser. Bien Studio fue presentado en Orangerie Plants junto a Las flores de mi barrio, una hermosa pieza breve, una primavera de poco más de cinco minutos en que las flores se suceden en un plano fijo, habitando las vidas de los vecinos del barrio, que comparten sus testimonios. En este barrio, una viuda recuerda la orquídea que su marido le regalaba los días especiales. Para el aficionado al fútbol cada flor roja es el Sevilla. O un farolillo de feria, alegría de vivir. Hay claveles de cariño para un amor de cincuenta años. Y lirios blancos arañando la carne viva de una madre que acaba de perder a su hijo, una madre que si ve flores sólo quiere ofrecerlas a la tumba de su niño para recordar su vida.

Un cortometraje, sencillo y desnudo, donde caben tanto el humor como la ternura, y que logra además acoger algunos elementos incuestionables de la vida sevillana. Una invitación de Juan Escribano a la escucha sin prejuicios, a la cultura a pie de calle, a encontrar la belleza de las pequeñas historias de nuestra cotidianeidad.

Las flores de mi barrio es, además, un espacio poblado por voces de ancianos. Testimonios del tiempo y la distancia. Las voces del siglo pasado, las voces llenas de sabiduría a las que la sociedad tiende a prestar menos atención. Y aunque éste pueda ser un hecho casual, vienen a encontrarse con flores y barrio, tanto uno como otro, conceptos bastante románticos, casi de un mundo que las grandes ciudades y la sociedad actual van extinguiendo poco a poco. El barrio como elemento identitario, como verdadero lugar de comunidad, raíz y calidez. La belleza de la naturaleza en la flor, ¿hay algo más altruista y artístico que cuidar una flor? Casi un acto de rebeldía. Un acto que no conlleva productividad, reconocimiento ni recompensa, likes ni beneficios. Un brindis por lo efímero, por la belleza natural que la propia naturaleza marchita. ¿Algo más romántico que el cuidado entre seres vivos? Y, a la vez, tan unido a la conservación del medio, tan en boga actualmente (aunque el progreso siempre llegue tarde, como le decía Alfredo a Totó).

En la colorida belleza estética de Las flores de mi barrio aflora lo emocional de los recuerdos pero subyacen raíces tan bonitas como el sentimiento de pertenencia a un hogar, la tradición y el cuidado de los lazos humanos. La vida a través del rito de la flor.

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El increíble Hotel Colón Gran Meliá vuelve a convertirse en escenario de lujo con esta segunda edición de las Noches Icónicas del Colón. Veladas que van aún más allá de un concierto íntimo con artistas de primer nivel, terminando la noche con la degustación de una cata maridada, diseñada por el singular equipo gastronómico de La Abacería del Colón, para concluir con buen sabor de boca esta simbiosis perfecta de cultura musical y gastronómica en un enclave patrimonial icónico como el hotel de la calle Canalejas.

Han pasado ya más de quince años desde que el célebre músico y productor norteamericano Quincy Jones (Michael Jackson, Frank Sinatra, Dizzy Gillespie) cayera rendido ante el arte de este pianista cubano en el Festival de Jazz de Montreaux, un primer impulso internacional que supuso el inicio de una importante trayectoria jazzística más allá de cualquier frontera.

Alfredo Rodríguez (la Habana, Cuba, 1985) proviene de una familia de músicos. Es hijo de un popular cantante, presentador de televisión y actor cubano. Rodríguez realizó su formación musical clásica en conservatorios de la Habana. Su incursión en la música popular tuvo lugar en la orquesta de su padre, con quien colaboraba como arreglista. A lo largo de los últimos años, Alfredo Rodríguez se ha presentado en numerosos festivales internacionales de jazz, algunos tan importantes como el de San Francisco, el de Newport, o Montreux.

El concierto tendrá lugar a partir de las 20:00 horas en La Librería del Hotel para un aforo reducido de 50 espectadores.

Las Noches Icónicas continuarán en los meses venideros en el Hotel Gran Meliá Colón con las actuaciones de Will Santt, la joven perla de la bossa nova, el día 13 de abril; Martirio y Raúl Rodríguez, el día 11 de mayo; y la recientemente anunciada Carmen París, cerrando el ciclo en la noche del 8 de junio.

Alfredo Rodríguez Trío · Noches Icónicas del Colón

Jueves 9 de marzo 20:00 h · Hotel Gran Meliá Colón

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Después de completar la gira nacional más multitudinaria hasta su finalización, Fito & Fitipaldis presentan una gira de teatros y auditorios que este viernes 24 de febrero recala en FIBES (Sevilla). Un formato que acercará al público a un ambiente más íntimo, en el que se podrán escuchar canciones de su último disco Cada vez cadáver y los clásicos de la banda, interpretados con un matiz diferente.

Para ello, Fito Cabrales incorpora a los Fitipaldis a Jorge Arribas y Diego Galaz de Fetén Fetén, que, junto a Carlos Raya, Javier Alzola, Boli Climent y Coki Giménez, completarán la banda que estará en el escenario este viernes y que recorrerá durante el otoño e invierno algunos de los teatros y auditorios más importantes de nuestro país.

Una ocasión única para ver a Fito & Fitipaldis en un formato muy especial para el que quedan muy pocas entradas a la venta.

Fito & Fitipaldis · Gira de teatros y auditorios

FIBES (Sevilla) · Viernes, 24 febrero 21:00 h

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Cita ineludible en el Teatro de la Maestranza. Este domingo 19 de febrero, el pianista estadounidense Brad Mehldau llega a Sevilla con su habitual formación de trío para presentarse ante el público sevillano. Un pianista imprescindible de la generación del jazz a partir de los años 70 al que llegaron a proclamar “el nuevo Bill Evans” cuando empezaba a abrirse camino. Poco más tarde, el más brillante y precoz maestro del piano del jazz reciente había impuesto su propio universo.

Su disco más reciente es Your Mother Should Know, publicado en este año 2023, una colección de once canciones en que Brad Mehldau toca en solitario el repertorio de los Beatles con la única excepción de Life on Mars de David Bowie.

Y es  que desde Monk a Radiohead pasando por Johannes Brahms -al que más de una vez atribuyó ser su mayor influencia-, Brad Mehldau (Jacksonville, Florida, 1970) lleva 3 décadas transitando la escena en multitud de variopintos formatos -incluidas sus colaboraciones con artistas de la música clásica como las cantantes Renée Fleming y Anne Sofie von Otter igual que versionando temas de Radiohead o The Beatles- pero ha sido a piano solo, o en formación de trío, donde ha resplandecido con luz propia desplegando un piano intimista que, siendo extremadamente virtuoso, evita el vacuo exhibicionismo. Arrebatadamente lírico, maestro del contrapunto y siempre sorprendente, Brad Mehldau llega al Teatro de la Maestranza escoltado por Larry Grenadier al contrabajo y Jeff Ballard a la batería. Es decir, junto a dos camaradas con los que integra uno de los tríos de jazz más fascinantes, perdurables y atractivos de la escena internacional.

Sonando siempre Mehldau y, al mismo tiempo, siempre imprevisible y distinto. Abierto a la sorpresa y el descubrimiento. Con esa intensidad emocional que muy pocos pianistas de jazz pueden arrebatar a la audiencia. “El hombre que susurraba a los pianos”, se ha descrito el arte de Mehldau. Es sorprendente que un leve susurro pueda conmocionarnos tanto.

Brad Mehldau Trío

Teatro de la Maestranza · Domingo 19 de febrero, 19 h

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